Interview: Hugh Kretschmer

Intro /

American photographer Hugh Kretschmer is well known for his surrealistic style and creative concepts in photography and art industry. As a photographer and artist, he’s been working with a variety of different magazines and companies including Time Magazine, Sony, and Master Card as breaking the boundary between commercial photography and fine art photography. Today, let’s hear about his story as a photographer from an interview done by one of his assistants June Korea. (H: Hugh Kretschmer / J: June Korea)

J: Hello Hugh, it's been already 2 years since I've worked for you. I'm really glad that today I have a chance to introduce you and your work to Korean audiences. Please simply say hi to your new fans in Korea.

H: Hi, everyone! I'm honored to be interviewed by you, June, and happy to share my work with my new Korean friends.

J: How and when did you start taking pictures? And could you introduce a person or an artist who inspired you the most?

H: I started taking photographs at the young age of 13 when my father, who was a photo-instrumentation engineer for McDonell Douglas, showed me how to process and print my first roll of black and white film. That first experience was profound and I was practically giddy when I saw my first print appear in the developing bath. I was hooked and have been taking pictures ever since.

As far as who was my greatest influence, I would have to say my father, who was really my hero, as far as I was concerned. The reason I feel that way is because, unlike merely viewing an artist's work in monographs or in museums, I had direct contact with him and got the chance to see into how he approached his work rather than through a historian's interpretation of it. It was a way to see another side of the man who, for so long, was "my father".

J: As you know, most of commercial images show more of client's (magazine/company) color or style than showing photographer's own style. However, when I see your commercial pictures they always show your own imaginations and colors just like your clients are using your personal work for their advertisement. Could you tell how you deal with your client to show your own style? or do they just ask your imagination and concept for their project?

H: I was lucky enough to start my career shooting for mostly editorial clients. I had experienced a lot of creative freedom working for magazines in those early years. It was primarily due to the lower rates publications offer and because the work I was creating had it's own unique appearance. I think, because of that last feature, the work I was producing was difficult to art direct. At that time, I was working in still-life and the images I produced were medium scale, multi-dimensional assemblages that were influenced by early 20th century art movements; Cubism, Russian Constructivism and Dadaism. I used found or custom made my own props, cut paper and photographs, paint, airbrush and graphite, in combination, to illustrate the concept using metaphor and symbolism. They were very complex and only I knew the key to their construction, and therefore hard for anyone to direct. It afforded me complete control over the entire process, from main idea, to the sketch, to execution. Art directors would send me a manuscript of the story they wanted me to make an opening illustration for and say, "interpret this in you style". In a way they had asked me to help them solve their visual problem.

Although my work has shifted a bit since then, (it's been 15 years since I shot in that style), I have been able to maintain that same working discipline to this day with my editorial clients. Advertising is a bit different, however, and there isn't that type of creative freedom. But, I am still seeing art buyers coming to me with layouts that were derived directly from something I shot as a personal project years before. It's a nice feeling when that happens.

J: As I mentioned earlier, I always get shocked when I see your imaginations, could you tell how you get inspired or how you find your inspirations?

H: Hmm! That's hard to nail down exactly where inspiration comes from but I think a an accurate answer is- from many places. I rarely look at other photographer's work and am more likely to be inspired by an illustrator, painter or sculptor. As I stated in the last question, the early work I did was a direct influence to earlier art eras but now, I am not so sure. Or, at least not entirely because I still hear the label, "surrealist", from viewers' mouths. I understand, accept and actually embrace that description because I am a lover of oddity. The more juxtaposition the better and I strive very hard to make my work different from what ever else is out there. I get board easily and a nice, well executed photograph goes only so far with me. I want to see something more visually challenging and unusual and know of no better place to see that but in my own photographs.

J: When I see your work, there are always tons of visible/invisible brilliant tricks and also lots of props and models. It' doesn't seem that you just take pictures in one or two days. Could you tell about your production process and period? (Please mention about your sketch books and props that you make)

H: Well, I do start with a sketch, not only to communicate my idea to my client, but I also use it as a loose blueprint for my production. It just works better for me to work this way because as I sketch things out, I am planning the photo's execution; i.e., lighting, set and prop design, color, scale of elements, that sort of thing. Once that sketch is approved I now have a jump start on how things will go, and I can dive in pretty easily from there.

I do make a lot of my own props and sets because that best guarantees my sensibilities will come through the finished photograph. I prefer to do things "in-camera", meaning in front of the camera versus in post-production, and would rather have more time before the shoot than after. I try very hard not to rely on Photoshop, if at all, because I like the tactile quality my photographs have as a result.

To give you an idea to what lengths I will go to achieve this look might be best described below. In one case, I wanted to have a woman completely wrapped in red hair, from her waist up, and hired a special effects, make-up and hair artist to help me with my vision. For seven and a half hours, she painstakingly applied red hair extensions to a live model using spirit gum and endless cans of hairspray. What we came up with was a bit different than what I had sketched but I was very happy with the results and is one of my favorite photographs. In the photo the model, under all that hair, is holding, what looks like, a lit cigarette between her lips but she wouldn't allow me to light it because of all the hairspray we used. She would have exploded otherwise. So, I shot some smoke and later retouched it in. That was the only Photoshop I had to do on that job.

Another technique I use is collage in front of the camera. For example, what might look like a pair of hands looking like boxing gloves created in Photoshop is actually assembled photographic cut-outs, reassembled in the set, and then photographed again. The only retouching needed was general cleanup and color correction. I chose this technique because there are nuances in the final image that would have been impossible to predict, let alone render, in Photoshop.

J: I absolutely think your sketchbooks are another great art work. Can I ask you to show some of your sketches? (Please take picture of some of your sketches if you're ok with that)

H: Yep, will do!

J: As you said earlier, you're making the props by yourself. I strongly believe that makes your art more valuable. Could you tell one of your props that you remember the most?

H: Ok! I made a 10 foot diameter crescent moon once for an early project. I still have it but is in sad shape after all these years shuttling it from one coast to another, but it is a favorite. I made it from galvanized sheet metal and plywood and detailed it with common kitchen utensils to represent the eyes and mouth of its "Man on the Moon" characterization. The galvanized metal was arranged in riveted panels and armature wire was used to make up the contours of the nose and eyebrow. It was made for a series of images titled, Gastronopolis, that is a visual story of a beautiful alien who comes to New York and ends up eating the city. The series was influenced by deco design and Fritz Lang's silent film, Metropolis.

J: If people who don't know about you well see your work they might think everything is done in Photoshop. Could you tell about in-camera/post production process?

H: Some of it IS done in Photoshop, while a majority of it is created in front of the camera. Regardless, all of my photos pass through Photoshop, but some to a lesser degree than others. As I stated before, I strive to do as much in-camera technique as possible, but there are the few that I have to solely rely on the program because I have no other option. Whichever way I do it, the photograph is planned out to the most minute detail beforehand in order to guarantee the absolute best results. In every case, I only depend on Photoshop as a last option rather than shooting with complete reliance on it. Depending on it too much, I have found, has run me into problems in past shoots and I will do everything I can to avoid that situation again. That's why I am VERY involved with the pre-production stages of a shoot, working closely with a prop maker, sometimes breathing down his neck, or show up at my set builder's studio and pick up a paintbrush. All to make sure I don't have to fix an issue I didn't expect in post-production because I was lazy and didn't want to deal with it in the pre-production stages.

J: As a photographer you’ve done with a variety of different projects. Which project do you remember the most?

H: There are several, and most are from the early part of my career. One in particular was most memorable and took place on a very hot summer's day in Maryland. The project was for Bloomberg Wealth Manager magazine and the article focused on "fashionable" hedge funds. The art director, Laura Zavets, and I had worked for many times and, in my view, is a poster child of the ever elusive "dream" client. She was one of those rare art directors who completely trusted me and stepped out of the way after the sketches were approved. That provided a dynamic that can be very freeing creatively but a little scary because I was expected to produce stellar work based on my own ideas.

She wanted to combine fashion iconography and situations with actual hedges as a metaphor for this particular article and I chose to shoot my ideas in a topiary garden I researched in Maryland. It was an hour or two from New York City where I lived, and I first scouted the location and based my ideas on what I found there. Ladew Topiary Gardens is truly a magical place and reminded me a bit from the Tim Burton film, Edward Scissorhands, with it's large scale topiaries of top hats, fox hunters on horseback, and hunting hounds.

Back at my studio I dove into pre-production, creating hedge-like props of a dress form mannequin, and a pair of hedge trousers, both made of artificial boxwood, and I managed to find an oversized pair of scissors at a prop house for a scene involving a tailor. Other "fashion" related scenes I created were an upperclass, high couture young lady in 1940's period costume walking her dogs that were actually made of living topiary, and the topiary looking dress form mannequin I made was used in a scene where four paparazzi are looking like they are jockeying for position against each other to get the best camera angle of it. I even got into the fun dressing up in a period suit and hat, posing as on of the lensmen.

All this took place on a 95 degree day, in the middle of summer, under a cloudless sky. Needless to say, we all were sunburned at the end of the day, but, I for one, had a huge smile on my face driving home that night.

J: I've learned a lot of lessons from you for 2 years and it's not just only about technique or skill. What I admire about you the most is an attitude as a photographer/artist. When new technology and trend are coming up, you always dive into the new world instead of hesitating or staying where you are. I really admire that because I know how hard it is. Aren't you afraid of facing changes?

H: I'm not really sure that is all true. I am not a computer oriented person and I went kicking and screaming into Photoshop when it first started making strides in the early '90's. However, I am embracing the moving picture with great relish. I'm just finishing my second project and my first video received an award in the AI-AP Motion Awards last month. I love the collaborative process film production offers and that I can still utilize my in-camera techniques in that medium. I am beginning to think and hatch ideas in motion now.

Going back to technology, I am still hesitant because I hate learning a new program. Hate it! I would rather understand the basics and hire the right person to finish the job. And this goes into another aspect or belief I have- hire an expert to bring expert results to your project. I feel the project deserves a "Cadillac" treatment and why I would rather spend the money to hire that caliber of service than struggle trying to make it work with my limited ability. Case in point was this second film I referred to above. The project called for some very specialized post-production and was beyond my abilities. I hired an expert and the results have been beyond what I expected.

J: Besides the attitude of facing changes, could you tell what’s your most important 3 attitudes/behaviors as a photographer?

H: First and foremost, "do what you love to do and the money will come". These words I was fortunate to hear early in my career from an industry, motivational speaker whose name eludes me at this moment. Anyway, I took this information to the races and have abided by them as much as I can ever since. That philosophy, I believe, has enabled longevity in my career.
Another is to shoot your own work and keep testing. I still do and not only has helped my long career but has kept my work fresh, I think.

Lastly, give back and pass it forward. So many people have helped me throughout my career, especially early on, and now, it is time for me to do the same for others and why I choose to help young photographers and gratefully donate works to certain not-for-profit causes.

J: I know you're really interested in diving into Asia market. Do you have any plan for exhibition or project in Korea?

H: If a gallery or curator has any interest in showing my work there, I'm game. As far as pursuing anyone at this time, I am not currently doing so. I am now just focusing on getting into the European market and will be signing with an agent in London shortly. When that is complete and settled, I may look beyond towards Asia.

J: I know you've made numerous great photographs and also made many remarkable achievements as a photographer. However, I'm absolutely sure you have more dreams as a photographer. Could you tell what is your dream project or future goal as a photographer?

H: I don't know! I want to continue doing motion work and that new venture has been very inspirational to me and I met a budding movie director a few years ago who has expressed interest in me shooting a stop-motion scene for her next feature, so that's pretty exciting. I was in London recently and that trip was very inspirational. I thought of some ideas I would like to execute both in still and motion and involves whimsical portraiture. I am also working on a fine art project that involves my collage work and so far the results are pretty satisfying.

That all said, I've come to the understanding I can't dream too far ahead because I can lose sight of what the next indicated step is. I have to trust the process and whatever path it takes me on, I am pretty sure it will take me to places beyond my dreams.

Closing /

J: Thank you so much Hugh. I've been always proud of myself that I'm working for artist Hugh Kretschmer, however, since I had this interview with you I'm absolutely sure there will be tons of more things that will make my heart flutter. I'm really looking forward to see your work in America, Europe, and Asia, and all over this world. Thank you for your time my boss."

H: 정말 즐거운 인터뷰였습니다 준, 그리고 언젠가 직접 만나고 싶은 한국의 독자들. 항상 건강하시고 매일 매일 자신이 사랑하는 일 하시며 하루 하루 살아가시기를 바랍니다. 감사합니다!

LA에서 Hugh Kretschmer.

Interview: Hugh Kretschmer

Intro /

미국 출신 사진작가 Hugh Kretschmer는 그의 독특한 초현실적 세계관에 뛰어난 연출력을 접목, 상업사진과 순수사진의 경계를 자유로이 넘나드는, 미국 현대 사진계에 한획을 그은 예술가로 평가받고 있다. Time Magazine, Sony, Master Card등 세계 유수의 잡지/기업들과 함께 활발히 활동하고 있는 Hugh Kretschmer의 작업 세계관과 이야기를 그의 제자 June Korea와의 인터뷰를 통해 들어보도록 하자. (J: June Korea / H: Hugh Kretschmer)

J: 안녕하세요 선생님. 제가 선생님과 함께 일한지도 벌써 2년이 다 되어갑니다. 이번 기회를 통해 그 동안 제가 겪어왔던 선생님의 모습과, 주목할 만한 작업들을 한국의 독자들에게 소개할 수 있게 되어 매우 기쁘게 생각합니다. 먼저 한국의 독자들에게 간단히 인사 한 말씀 부탁드립니다.

H: 안녕하세요! 사진작가 Hugh Kretschmer입니다! 이렇게 한국의 새로운 친구들과 함께 제 작업을 공유할 수 있는 시간을 허락해 주셔서 정말 고맙고 영광스럽게 생각합니다.

J: 사진을 어떻게 시작하게 되었나요. 그리고 특별히 영향받은 작가가 있다면 소개 부탁드립니다.

H: 저는 13살에 사진을 찍기 시작했습니다. McDonnell Douglas사의 Photo-Instrumentation Engineer였던 제 아버지는 제 첫번째 흑백 필름을 현상하고 인화하는 방법을 알려주셨죠. 제 첫번째 프린트가 현상 트레이 안에서 그 모습을 드러내는 것을 바라보는 경험은 매우 아찔했고, 또 놀라웠어요. 저는 그 작업에 매료 되었고, 그 후로 계속 제 사진 작업을 이어나가기 시작했어요.

제게 정말 커다란 영감을 주신 아버지, 저는 아버지를 제 영웅이라 부르고 싶어요. 예술가들의 작업을 책이나 박물관에서 보고, 그에 대한 학자들의 해석을 읽는 간접적인 경험 대신에, 아버지는 저에게 어떻게 그가 그의 작업을 해석하고 접근하지는지를 ‘직접’ 보고 경험할 수 있는 기회를 주셨으니까요. 그것은 나의 ‘아버지’로 오랜 시간을 살아오셨던 그의 또 다른 면을 알게 해 주는 새로운 경험이었습니다.

J: 대부분의 상업사진을 보면 작가의 의도보다는 광고주의 의견이나 스타일을 따라가는 경우가 다반사입니다. 하지만 선생님의 경우에는 어느 작업에나 선생님의 상상력과 색깔을 명확히 드러내고 계세요. 마치 선생님의 개인작업을 광고에 사용하는 것처럼. 비결이 무엇인가요?

H: 저는 굉장한 행운아였다고 생각해요. 저는 90년대 매거진들과 함께 일을 시작하면서 제 창의력을 발휘할 수 있는 충분한 기회를 얻었어요. 아마도 그건 제 작업이 저만의 독특한 세계관을 표출하고 있었기 때문인데, 아트 디렉터가 나서서 개입하기 쉬운 작업 스타일은 아니었기에, 저에게 창의력을 발휘할 수 있도록 모든 것을 일임했던 것 같아요. 당시 저는 대형포맷을 이용해서 굉장히 복잡한 구조의 레이어가 겹쳐진 Still Life 작업을 하고 있었어요. 20세기 초의 예술운동, 특히 Cubism, Russian Constructivism, Dadaism에 영향을 많이 받았죠. 저는 버려진 물건들이나, 제가 직접 만든 소품들, 잘려진 종이나 사진들, 페인트, 에어브러쉬, 흑연등을 조합하고, Metaphor와 Symbolism에 기반하여 제 컨셉을 그려냈어요. 그 작업들은 굉장히 복잡했고, 저만이 구조의 열쇠를 쥐고 있었죠. 그래서 다른 이들이 제 작업에 개입하거나 Direct 하기에는 굉장히 어려웠다고 봐요. 결국 그러한 상황은 클라이언트가 저에게 컨셉부터 스케치, 그리고 촬영까지 전 과정에 걸친 권한을 주게 되는 타당한 이유가 되었죠. 아트 디렉터들은 저에게 대략적인 원고나 이야기를 보냈고, “이 이야기를 당신의 스타일로 해석해주세요.” 라고 말하면, 저는 이야기를 바탕으로 밑그림을 그리고, 제 창의력을 총 동원하여 세트를 만들고, 촬영을 하죠. 저는 사진작가로서, 그들이 갖고 있는 시각적인 고민을 해결하는 해결사 역할을 했어요. 그 후로 15년이라는 시간이 흘렀고, 지금은 제 작업도 많은 측면에서 변화를 거듭했습니다. 하지만 저는 현재도 여전히 제 매거진 클라이언트들과 이전과 같은 관계로, 같은 철학으로 제 창의력을 마음껏 발휘하며 일을 하고 있습니다. 아. 물론 광고는 약간 달라요. 광고에서의 창의적 자유는 매거진과는 조금 다른 성격이거든요. 하지만 네, 여전히 제 클라이언트들은 제 개인작업들에 영감을 받은 레이아웃을 들고 저를 찾아오고, 제가 충분한 창의력을 발휘할만한 환경을 제공해줍니다. 이건 정말 예술가로서 행복한 일이예요.

J: 말씀드린 것 처럼, 선생님의 작업을 보면 정말 뛰어난 상상력에 매번 감탄합니다. 영감을 받는 과정의 비밀을 알려주실 수 있나요?

H: 흐음! 그건 정말 어려운 질문인데요. 정확히 어디서 제 영감이 오는지를 대답하기는 힘들어요. 하지만 제 생각에는, ‘많은 곳으로부터’가 가장 정확한 답이 되지 않을까 싶네요. 저는 사실 사진작가들의 작업은 잘 보지 않아요. 대신에 일러스트레이터나, 페인터, 혹은 조각가들의 작업을 더 많이 보고, 거기에서 영감을 얻어요. 이전 질문에서 대답했듯이, 제 초기 작업은 ‘특정한 시대’의 영향을 직접적으로 받았지만, 음, 지금 작업은 그게 명확하지 않아요. 대부분의 독자들께서는 저를 ‘초 현실주의 작가’라고 불러 주시는 것으로 알고 있습니다. 그 한 단어로 제 작업을 정의한다는 것은 어려운 일이라 생각하지만, 그 단어가 제 작업 안에서 커다란 부분을 차지한다는 점에서는 동의합니다. 저는 상상과 특이함을 사랑하는 사람이니까요. 매일 매일 제 작업을 세상에 존재하는 어떤 것들과도 다르게 만들기 위해 노력합니다. 저는 굉장히 쉽게 실증을 내요. 그리고 그저 좋아보이고 기술적으로 잘 촬영된 사진은 저와 함께 오래 가지 못한다는 것을 아주 잘 알고 있습니다. 그래서 저는 언제나 시각적으로 새롭고, 파격적인 작업을 만들고 싶습니다. 세상 어디에도 없고, 세상 어디에 놓아도 어울리지 않지만, 제 사진안에서 존재하고, 그 안에서 조화를 이루며 빛을 발하는 작업을 만들어내고 싶습니다.

J: 작업을 보면 굉장히 많은 장치들이 되어있고, 또 매우 많은 소품과 모델이 사용되고 있습니다. 하루 이틀 안에 나온 사진들이 분명 아닐텐데, 프로덕션 기간과 과정을 간단히 설명해 주실 수 있을지요?

H: 음, 스케치부터 시작을 합니다. 단순히 제 클라이언트와 소통하기 위해서가 아니라 제 전체적인 프로덕션의 청사진으로 사용하기 위함입니다. 저는 스케치를 하면서 제가 어떻게 촬영을 하게 될지를 함께 구상을 해요. 예를 들면 조명의 설치, 무대의 설정, 소품은 어떻게 디자인 할 것인지, 그 색깔은 어떨지, 또 크기는 어떨지 그런 것들을요. 일단 스케치가 완료되고 나면 그 다음 과정으로 넘어가는 것은 굉장히 쉬워집니다.

저는 굉장히 많은 소품과 무대를 직접 디자인합니다. 프로덕션에 제가 직접 참여하는 것이 마지막 촬영되는 사진안에 제 색깔을 확실히 보여줄 수 있다는 것을 오랜 경험을 통해 알고 있기 때문이예요. 또한 촬영 당시에 모든 것을 카메라 안에, 한 장면에 담는 것(In-Camera Technique)을 추구합니다. 다른 말로 하면 촬영후 포토샵에서 합성하는 것(Post-Production) 보다 촬영전에(Pre-Production) 모든 것을 완벽하게 셋업하고 촬영하는 방법을 선호해요. 후보정 작업은 정말 최소한, 피치 못할 상황에만 하는 것으로 작업의 방향을 잡습니다. 그래서 촬영 후 보정보다 촬영 전 준비과정에 훨씬 오랜 시간을 투자합니다. 가능한 한 포토샵에 의존하지 않으려 매우 많은 노력을 합니다. 왜 쉬운 길을 두고 어렵게 돌아가냐고 하실 수도 있지만, 분명 포토샵에서 한 작업과 In-Camera에서 한 작업은 아주 아주 미세한, 하지만 인간의 오감으로 분명히 느낄 수 있는 차이가 존재하거든요. 또 한가지 덧붙이면, 사실 과거 Post-Production에 의존했던 경험이 잠깐 있었는데, 촬영당시에 실수한 것을 후보정 단계에서 수정하는 것에는 한계가 있었어요. 그리고 중요한 것은 실수를 알아챈 후에는 이미 제가 공들여 만들었던 그 셋트는 이미 사라지고 난 후라는 거죠. 그래서 가능한 한 모든 작업을 촬영당시에 카메라 안에서 해결하려고 해요. 저는 그 엄청난 규모의 셋트를 다시 지을만큼 부지런하지 않거든요. (웃음)

간단한 예를 하나 보여드릴게요. 저는 머리부터 허리까 완전하게 빨강머리로 뒤덮힌 여자를 촬영하고 싶었습니다. 저는 특수분장 아티스트, 메이크업 & 헤어 아티스트를 불러서 제가 원하는 컨셉을 들려주고, 도움을 부탁했어요. 약 일곱시간 반 동안 아티스트들은 Spirit Gum과 셀 수도 없이 많은 헤어 스프레이 통을 비워가며 빨강 머리 Extension으로 모델의 얼굴과 허리를 뒤덮었습니다. 정말 엄청난 공을 들였어요. 일곱시간 반 후 모든 준비가 끝났습니다. 저는 너무나 만족했고, 완벽한 설정속에서 셔터를 눌렀습니다. 그렇게 촬영한 사진은 지금도 제가 너무도 좋아하는 사진중의 하나가 되었어요. 자, 이 사진속에서는 모델이 머리 사이로 불 붙은 담배를 물고 있지요. 하지만 사실 실제로 모델은 담배에 불을 붙이는 것을 허락하지 않았습니다. 왜냐구요? 바로 모델의 머리에 쏟아 붓다시피 한 가연성 헤어 스프레이 때문이었죠. 불을 붙였으면 그녀는 그 자리에서 말 그대로 ‘폭발’했을 거예요. 그래서 저는 담배불과 연기를 따로 촬영해서 포토샵에서 합성했어요. 그게 제가 해야만 했던 단 하나의 포토샵 작업이었고, 대부분의 작업에서도 같은 방식을 고수합니다. 정말 불가능한, 어쩔 수 없는 상황에서만 포토샵을 사용합니다.

2001, Hair

또 다른 테크닉을 알려드리면, 저는 콜라주 기법을 사용합니다. 이 사진을 예로 보여드릴게요. 포토샵으로 합성한 것 같은, 이 두개의 권투 장갑처럼 생긴 손은 사실Photographic Cut-Outs들의 조합이예요. 각각의 피스들을 촬영 후 컷, 잘려진 피스들을 무대 위에서 조립, 다시 한번 최종 촬영을 한 것이죠. 제가 포토샵 안에서 해야했던 일은 경계선을 깨끗하게 하는 일과, 오브젝트들의 원래의 색상을 잡아주는 일 뿐이었습니다.

2006, Boxing Gloves

J: 선생님의 그 스케치북, 개인적으로는 정말 또 다른 예술품이라고 생각하는데요, 몇장의 스케치를 공개해주실 수 있을까요?

H: 네, 물론이죠!

2004, Mental Muscle Sketch

2001, Return of the Thin Man Sketch

2001, Return of the Thin Man Polaroid

J: 소품을 직접 제작한다고 말씀하셨습니다. 선생님은 정말 뼛속까지 예술가이신것 같아요. 가장 기억에 남는 소품 하나만 말씀해주신다면 어떤 것이 있을까요?

H: 좋아요! 제가 프로젝트를 위해 직접 만든 이 3미터 가량의 초승달을 공개합니다. 아직도 저는 이것을 보관하고 있는데 이 녀석이 바다를 이동하고, 하늘을 이동하고 하다 보니 모양이 많이 상했어요. 하지만 아직도 이건 제 소중한 콜렉션 중의 하나죠. 이건 아연을 씌운 금속과 합판으로 만든거예요. 달을 의인화 하려고 했죠. 일반적으로 부엌에서 쓰는 도구들을 사용해서 눈과 입을 표현했어요. 눈과 속눈썹의 윤곽은 철사를 이용해서 표현했구요. 이 소품은 제 개인작업 중의 하나인 ‘Gastronopolis’라는 프로젝트를 위해 만들어졌어요. 아주 아름다운 여성 외계인이 뉴욕으로 와서 결국에는 도시를 먹어버리는 이야기로 끝이나는 Visual Story예요. 이 프로젝트는 Deco Design과, -몇몇 분들은 이미 짐작하셨겠지만- Fritz Lang의 무성영화, ‘Metropolis’의 영감을 많이 받았어요.

1998, The Pause

J: 작가로서 가장 기억에 남는 프로젝트 하나를 꼽아주신다면 어떤 것이 있을까요?

H: 음.. 몇가지가 있어요. 기억을 더듬어보니 대부분이 제 초기 작업들이군요. 가장 기억에 남는 작업은, Maryland에서 정말 더운날 이루어졌던 프로젝트였어요. ‘Bloomberg Wealth Manager Magazine’을 위한 촬영이었는데, ‘Fashionable’한 헤지펀드를 다룬 기사에 대한 사진을 만들어내야 했어요. 당시 아트디렉터였던 Laura Zavets는 저와 많은 시간 함께 호흡을 맞췄던 사람이었는데, 그녀는 정말이지 세상에서 찾아보기 힘든 ‘Dream Client’였어요. 매 촬영때 마다 제 스케치를 꼼꼼히 확인하고 승인한 후에, 그녀는 더 이상 촬영장에 머물지 않았어요. 저를 200% 신뢰한거죠. 그녀의 그런 신뢰는 무대위에서 제 창의력을 마음껏 발휘하도록 만드는 정말 중요한 요소가 되었습니다. 하지만 그와 동시에, 아트 디렉터의 도움없이 오로지 제 아이디어만으로 클라이언트의 기대에 부응해야 한다는 엄청난 부담감도 함께 작용했답니다. (웃음)

그녀는 상징적인 패션의 아이콘들과 실제 '울타리(Hedge)'를 메타포로 이 프로젝트를 진행하길 원했어요. 그래서 저는 이 촬영을 Maryland에 위치한 토피어리(Topiary)정원에서 진행하기로 결정했습니다. 당시 제가 살던 뉴욕에서 두어시간 정도 떨어진 거리에 위치한 정원이었습니다. 아이디어를 떠올린 후 로케이션 스카우팅을 하면서 찾아낸 촬영장소였죠. 그렇게 발견된 Ladew Topiary Gardens는 정말이지 마법같은 장소였습니다. 팀 버튼 감독의 영화, '가위손(Edward Scissorhands)의 한 장면을 연상하게 했고, 모자, 사냥개, 여우 사냥꾼등 제가 원하던 모든 종류들의 토피어리들이 있었습니다.

저는 다시 제 스튜디오로 돌아와서 Pre-Production 과정에 뛰어들었습니다. 울타리를 입은 마네킹을 만들었고, 역시 울타리를 이용해 바지를 만들었어요. 모든 울타리(Hedge)는 인조 회양목을 이용해 만들었습니다. 또한 굉장히 커다란 가위를 소품 대여실에서 찾아냈습니다. 양복 수선가가 등장하는 장면을 위해서요. 또 다른 장면은 1940년대의, 고급 드레스를 걸친, 강아지와 함께 산책하는 귀족 여성들이었어요. 그 강아지는 진짜 토피어리 장인에 의해 만들어졌죠. 그리고 역시 인조 회양목을 이용해 제가 제작한 드레스를 입은 마네킹이 그 장면을 위해 사용되었습니다. 그리고 자, 마지막 장면이예요. 서로 좋은 장면을 촬영하려고 다투는 듯 한 네명의 파파라찌들이 등장합니다. 사실 저도 촬영을 하며 정말 즐거웠어요. 왜냐하면 사실 저도 저기 저 수트와 모자를 쓰고, 포즈를 취하고 있는 카메라맨 중의 한명이거든요. (웃음)

모든 촬영은 섭씨 35도나 되는, 구름 한점 없어 더 더웠던 한여름의 중간에 진행되었습니다. 말할 필요도 없이, 촬영 후 모든 스태프들은 새까맣게 타 버려 울상이었죠. 하지만, 그중에 딱 한명, 집으로 돌아오는 차 안에서 싱글벙글 웃으며 운전을 하고 있던 단 한명이 있었답니다. 누구냐구요? 바로 그날 정말 정말 마음에 드는 사진을 촬영한 저 Hugh Kretschmer였지요!"

1999, A Walk in the Park

1999, Tailor

1999, Paparazzi

J: 제가 2년 동안 선생님 곁에서 일하며 기술 외에도 정말 많은 것을 배웠습니다. 그중에 하나가 바로 변화하는 세상 속 작가로서의 자세인데요. 새로운 기술이 나오고 새로운 유행이 찾아올때 선생님은 기존것에 머무르지 않으시고 항상 새로운 세상으로 뛰어드셨습니다. 그렇게 행동하기가 참 쉽지 않은 일인데, 변화가 두렵지 않으신가요?

H: 하하 June, 나를 너무 좋게 보고 있는 것 같아요. 솔직히 그 말이 다 맞다고는 못하겠어요. 저는 일단 암실 세대지, 컴퓨터와 함께 성장한 세대는 아니예요. 90년대 초반에 포토샵이 처음 나왔을 때, 그 프로그램에 적응하는 건 정말이지 악몽과도 같았어요. 이걸 진짜 배워야 하나? 배우면서도 의심이 들고, 진짜 힘들었죠. 하지만 최대한 그 과정을 받아들이고 즐기려고 노력했고, 그럴수록 모든 작업은 점차 즐거워졌습니다.

June도 알다시피, 최근에 저는 모션이라는 새로운 작업, 새로운 시장에 뛰어들었고, 얼마전 제 두번째 모션 프로젝트를 마쳤어요. 이 작업을 배우고 시작하는 일도 정말 쉬운일이 아니었다는 것을 June도 옆에서 지켜보았으니 그 누구보다 더 잘 알거예요. 하지만 여전히 그 과정을 즐기려고 노력했습니다. 그리고 정말 감사하게도 제가 했던 첫번째 모션 작업이 지난달 AI-AP 상을 수상했습니다. 제 그동안의 노력이 충분히 보상받는 순간이었죠. 그리고 이렇게 새로이 시작한 작업들에 제가 지금까지 유지해오던 In-Camera Technique을 적용해서 이어 나갈 수 있다는 것이 저를 얼마나 기쁘게 하는지 모를거예요. 요즈음의 저는 매일 모션 작업에 대해 생각하고, 제 아이디어는 알에서 새끼가 부화하듯이 매일 매일 하나씩 제 스케치북에 옮겨지고 있어요.

이런, 이야기가 좀 다른 곳으로 흘러갔네요. 다시 기술에 대한 이야기로 돌아가서, 저는 여전히 매번 주저해요. 사실 새로운 프로그램을 배우는 일은 정말이지, 저에게 끔찍한 일이거든요. 그래요. 사실 정말 싫어요! 차라리 새로운 프로그램을 잘 아는, 제대로 된 테크니션을 고용해서 그 작업을 끝내게 하고 싶어요. 실제로도 그렇게 하고 있구요. 사실 그것이 이 세상 각 분야의 테크니션이 존재하는 이유고, 제 한정된 능력안에서 몇배의 시간을 투자하며 헤메는 것 보다는, 조건에 맞는 임금을 지불하고 전문적인 서비스를 제공 받는 것이 더 합리적이거든요. 테크니션이 작업하는 동안 저는 컨셉에 관련된 더 중요한 작업, 더 커다란 그림을 그리는 일에 매진할 수 있구요. 위에서 잠깐 언급한 두번째 필름의 후보정 작업도 그렇게 이루어졌어요. 제 능력 이상의 것들을 요구하는 특별한 기술들이 적용되어야 했기 때문에 저는 그 방면의 전문가를 고용해서 제가 기대한 이상의 결과를 만들어내었습니다. 하지만 중요한 것은 감독으로서 모든 과정을 이해하고 테크니션에게 원하는 것을 정확하게 주문할 수 있어야 한다는 거예요. 그렇게 하려면, 초 전문가는 아니더라도, 변화하는 세상 속에서 자기가 이용하려는 기술에 대한 전반적인 지식은 있어야겠지요? 그것이 바로 매번 제가 새롭게 뛰어들고, 공부하는 부분이랍니다. 그리고 팁이 있다면, 정말 중요한 것은, 즐겁게 배우는 거예요.

2012, The Island

J: 음, 그렇다면 변화에 적응하는 자세 이외에도 선생님께서 생각하시는, 사진작가가 갖추어야 할 가장 중요한 3가지 덕목이 있다면 어떤 것을 꼽으시겠어요?

H: 첫째로, 그리고 가장 중요한 것으로, ‘당신이 사랑하는 일을 하세요. 그럼 돈은 알아서 따라옵니다.’ 제가 일을 시작하던 시기에 한 강연에서 이 말을 듣고 마음에 새길 수 있었던 것이 얼마나 큰 행운인지 모릅니다. 저는 일을 하며 항상 그 말을 떠올리고 또 되새겼고, 그러한 철학이 지금의 저를 활동하는 예술가로 남게해 준 커다란 힘이 되었다고 굳게 믿고 있습니다. 두번째로는 스스로가 원하는 작업을 하고, 계속해서 실험해 보는 것입니다. 물론 저도 여전히 그렇게 하고 있구요. 끊임없는 자기 작업과 실험은 제 커리어를 지속시켜 줄 뿐 아니라 언제나 제 작업을 새롭게 하는 중요한 원동력이 됩니다. 마지막으로, 받은 것을 돌려주고 또 계속해서 나누는 것입니다. 제 시작부터, 이 멀고 힘든 여정을 오는동안 정말 많은 사람들이 제 인생에 존재했고, 저를 도와주었습니다. 그리고 이제부터는 그동안 제가 받은 것들을 모두에게 돌려줄 시기라고 생각합니다. 제 작업을 이어나감과 동시에, 젊은 사진작가들의 시장 진출을 돕고, 작가로서 사회에 보탬이 될 수 있는 일들을 해 나가고 있습니다.

J: 아시아 시장 진출에 매우 관심이 많으신 것으로 압니다. 혹시 한국에서 전시계획이 있으신지?

H: 아시아쪽 갤러리나, 큐레이터 분들께서 제 작업을 원하신다면 저는 언제나 환영이지요. 하지만 아시아쪽으로 진출하는데 필요한 충분한 시간을 갖고 싶습니다. 현재는 유럽쪽에 초점을 맞춘 상태입니다. 조만간 런던에 있는 에이젼트와 계약을 할 예정이구요. 유럽쪽 시장에서 활동하는 일이 안정이 된다면, 그때 충분히 준비가 된 상태로 아시아로 건너가고 싶군요!

J: 지금까지 정말 많은 작업을 하시고 정말 많은 일들을 이루어 내셨습니다. 하지만 제가 아는 선생님의 꿈은 이정도가 아니겠지요? 앞으로 사진작가로서 꼭 도전하고 싶은 프로젝트나 꿈이 있다면 살짝 알려주실 수 있을까요?

H: 하하. 잘 모르겠어요! 지금은 최근 시작한 모션작업에 엄청난 흥미를 느끼고 있습니다. 몇년 전 한 신예 영화 감독님을 만났는데, 감독님의 다음 작업을 제가 촬영해 주면 좋겠다는 제안을 받았어요. 매우 기대되는 일 중의 하나이지요! 그리고 최근 런던에 여행차 다녀온 것이 영감을 얻는데 매우 큰 도움이 되었습니다. 몇개의 새로운 아이디어가 떠올랐고, 그 아이디어를 정지된 사진과 모션안에서, 굉장히 독특한 인물 촬영 기법으로 표현할 수 있을 것 같아요. 그리고 제가 언제나 꾸준히 진행하고 있는 개인 프로젝트인, 콜라주 작업의 과정과 결과물은 언제나 저를 기쁘게 하구요.

이 정도면 될까요? (웃음) 저는 너무 멀거나 불투명한 꿈은 일단 생각하지 않으려고 해요. 왜냐하면 그러다보면 제 시야를 잃어 제가 따라가던 다음 표지를 잃어버릴까 걱정이 된다, 라고 하면 대답이 될까요? 저는 제가 일을 진행하는 현재의 과정과, 저를 인도하는 표지들을 신뢰합니다. 그리고 그러한 과정들을 자연스럽게 따라가다보면, 그 표지들이 제가 꿈꾸던 곳 너머의 이상향으로 저를 인도하리라고 믿어요.

Closing /

J: 감사합니다. 저는 지금도 선생님 제자라는 것이 너무 자랑스럽지만, 이렇게 선생님 인터뷰를 하고 나니 앞으로는 더 벅차오르는 일들이 수없이 생겨날 것이라는 확신이 드네요. 앞으로 선생님 작업, 미국-유럽-아시아-그리고 전 세계에서 만나보는 날 기대하면서 인터뷰 마치겠습니다. 뜻깊은 시간 허락해 주셔서 정말 감사합니다!

H: 정말 즐거운 인터뷰였습니다 June, 그리고 언젠가 직접 만나고 싶은 한국의 독자분들, 항상 건강하시고 언제나 자신이 사랑하는 일 하시며 즐거운 매일을 살아가시기를 바랍니다. 감사합니다!

LA에서 Hugh Kretschmer.
The official website for Hugh Kretschmer: www.hughkretschmer.net